钢琴每天必练基本功哈农，在音乐艺术中，钢琴具有其它乐器不可取代的地位，其音色亮丽、动人，擅长演奏各种风格的音乐，第一台钢琴的出现经过了约三百年的历程。以下分享钢琴每天必练基本功哈农。
钢琴每天必练基本功哈农1
我为什么要天天练《哈农》？
曾经有学生跟我说，“哈农太简单了，一首曲子其实就只有弹会四小节，第一小节和上行最后一小节，下行第一小节和倒数第二小节，这些曲子我早就烂熟了，还要天天练习吗？”
其实这样的提问没有太大意义，学琴要练习《哈农》是最简单的道理，答案是肯定的。钢琴被称为“手指上的舞蹈”，因其本身特殊的性质，而对基本功的要求尤为严格，在学习中一定要一步一个脚印走扎实。
如果没有起码的基本功练习，加上时间的积累，怎么可能有深厚的功底？没有深厚的功底，弹钢琴时动作不合规范或方法错误，在弹奏有点难度的经过音群时，左手生涩、第4指和第5指几乎不起作用，还有在遇到八度进行、震音或颤音时十分勉强、疲劳等等问题就会层出不穷。
匈牙利钢琴教育家约瑟夫·迦特说过：“钢琴对那些善于对待他的人来说，是一种奇妙的乐器。” 可见钢琴是一种非常具有灵性的乐器，你怎样对它，他便怎样待你。
如今，学习钢琴已经非常普遍，好的钢琴家也越来越多，然而哪怕是业余演奏会上弹一段一般难度的曲子，也要学上十年八年才行，所以很多钢琴家从小练习哈农，不少钢琴老师也把《哈农钢琴练指法》当做必弹的教材，声称五指练习是加强基本功必不可少的阶梯之一。
但是，五指练习，与其它一切练习一样，练习有效的前提是有好的教材并且有好的老师教你正确的方法。否则，即使每天练习20小时的哈农，你的基本功也不会有任何提高。
《哈农钢琴练指法》是哈农自编的练习曲。是针对训练钢琴初学者手指灵活性的专业教材。在这本书里，有手指灵活性、独立性的基本练习、力度和最大限度均衡以及手腕柔韧性的练习、音阶及琶音的强化练习和重要技术难点的专业练习，所有这些都是达到优美演奏不可或缺的因素。
同时详细讲解了每一个练习过程中需要注意的问题、容易出现的错误及正确的演奏方法等。另外，这些练习已考虑到使左手能与右手同样灵巧。这些练习旨在让大家不用多看就能相当快地弹奏，使它们立刻就成为卓越的手指练习，这样就不必为琢磨它们而耽误时间。人们还可以在多架钢琴上同时弹奏所有这些练习，使学生乐于进取，并适应合奏。
本书的对象是所有学钢琴的人。练习大约一年后，就能有很大成效。这本练习曲可用一小时弹完，假如完全掌握了它，每天花一定时间重复弹奏，很多困难就会神奇地消失得无影无踪，将能达到演奏干净、自如、均匀清晰的完美境界，这便是艺术大师的秘诀。
因此《哈农钢琴练指法》已成为钢琴学习者必不可少的练习，这种练习将伴随他们的整个钢琴学习生涯，而且《哈农》中的音阶、琶声和一些指法也成为钢琴考级中必不可少的项目。
想从《哈农钢琴练指法》中获得钢琴技术的提高，首先应解决的是手臂的自然起落，连奏时在连奏的开始音将手臂从高处落下，将手臂的重量传至要演奏的手指，连奏的最后一音时手臂抬起，连奏中手背、手腕、手臂应克服上下颠簸的动作，演奏时前臂手腕手背随音乐的起伏而左右平移。非连奏单音应有一次手臂落下抬起的动作。
演奏中掌关节尽量打开，手指高高抬起，以掌关节为轴快速的落下，即从掌关节出发的抬起和降落的手指挥动。让每一个动作简单而干练，稳健而又踏实(即通常人们所说的“抓键”)没有多余的动作，演奏动作尽量做到即省又准确。
这样获得的声音圆润饱满，生动而又有表现力，不至于使声音过于拖沓，指尖粘连而出现不协和音。不少学生在演奏时不仅让人听到那些不干净的钢琴声，更能听见手指触键、琴键与键盘底部相接触，击弦机顶杆与小槌接触发出的撞击声(即上方泛音)这就是触键动作不正确、不干练、下键速度不够造成的。
其次，练习者应不断体会动作与声音的关系，提高耳朵的灵敏性和对手的动作的控制能力。这就要求施教者本身有较高的演奏水平，能正确地为学生做出示范，并能正确地分解其动作，使学生不仅能模仿其动作，还能领悟动作与声音的关系，使之较快的把握演奏技术。
练琴小贴士
1、一定要严格按照谱上标注的指法练习。每一条练习都有特点的训练目的，所以编排了不同的指法顺序，按照要求练才可以达到训练目的，循序渐进地进步。
2、每一个手指的动作都要认真做好，独立抬起，触键有力，保持手型，及时换指。我们可以先慢练，首先做到从肩到手腕的放松，然后眼睛看着手指的动作，高抬指的动作幅度尽可能大些。
3、合理安排好练习时间，不可太短，没效果，也不必太长，没意义。掌握好的度是，手指活动开了，但不会感觉累。就象体育课先要慢跑一样，给手指热热身，筋骨舒展开了，才好做后面的动作。
4、最最重要的是，《哈农》要求的动作要运用到弹曲目中去。我们不是为了练手指而练手指，练手指是为了弹曲子服务的。
钢琴每天必练基本功哈农2
钢琴的每日必备基本功都有哪些？
1、基本功是一个比较模糊的概念。
初级和中级阶段尚且可以较为简单粗暴地按学习的先后顺序归纳为：
手指支撑能力训练（断奏吊臂）、抬指连奏（走步）、重量转移（从二音连线到多音连线）。单手位无转指练习（短音阶，短琶音）、长音阶、长琶音。三度六度八度双音练习，和弦练习，等等。（每个子项技术都可以再以不同的标准来细分）
越到高级的阶段，会发现越难用简单一种或几种技术类型来概括曲目中遇到的困难段落，不如直接用那些困难段落来训练。
2、除了以上一些比较显性的硬功夫，还有一些重要性同样重要的软功夫。比如说可以做出多个不同梯度的强弱力度的能力，可以把握慢板作品绵长的气息的能力，可以同时进行多个不同声部的复调演奏能力，可以保持作品紧凑的节奏感和紧张度的能力，等等。
这些方面我个人认为也可以算是很重要的软性基本功，只是比起1、中的硬功夫相对没有那么被人重视。当然也有人将其归位“音乐性”范畴，这也是可以的。
3、比起“练什么”，更重要的是“怎么练”。也就更不用太过于纠结每天练xx技术多久。更重要的是练的时候要注意哪些动作细节，以及怎么调整和优化。这个时候就能极大地体现出有一个水平足够高且足够适合自己、愿意对自己上心的一对一指导的钢琴老师的重要性。
而且适合不同人的方法肯定是不一样的。拿我自己举例，我几乎不给自己硬性规定时间（例如每天练xx多少分钟），有时候甚至一个晚上都在细抠和钻研探索一个小点，都是很正常的。虽然看起来练的内容不多，但是伤其十指不如断其一指，每个棘手的问题都会得到很彻底的解决，学琴的道路也会越来越通畅。
钢琴每天必练基本功哈农3
怎样练好一首乐曲
在练习过程中，可分三阶段；视谱、分练、组合。
（1） 视谱阶段：
学习一首新曲子时，要养成先花1～2 分钟看看谱子，记住调号、拍子、节奏型等，然后再并始用手弹的习惯。视谱能力强是学习进展快的主要因素之一。
（2）分练阶段：
能准确地视谱弹奏后，接着就要分句、分段、分手练习，有困难的地要抽出来反复练。要有针对性地分句、分段或分手练。
（3）组合阶段：
第三阶段需要的是思维能力与表达能力。当音符，拍子、指法、分句等问题都解决后，就要动脑筋注意音色与触键的选择，力度的层次，节奏的灵活性，音乐的结构等等。
弹奏钢琴时的表情处理：
（1） 声部程次：
钢琴和管风琴一样，必须同时奏出几个声部并常常模拟整个乐队的效果。因此，要使一首钢琴乐曲在演奏处理上表现得当，就应让各个声部在整体中形成一定的位置关系。因此演奏者应善于随机运用各种触键的方式。
A：对位性音乐中的声部层次
这些声部的结合和对比方式应根据具体乐曲而定。凡是专门的主题性素材都应为主要声部。以巴赫的三声部赋格中的片段为例。
此处低声部的主要主题最重要。而中声部的对题（2）和竞相出现的、闪现在高声部的短小音型（3）应处于陪衬的地位。
B：和声性音乐中的声部层次
最简单的形式是由和弦支持的旋律或经过句。可分出三个不同的层次：主旋律、低音进行以及插入其中的和弦组成。通常在这三个层次之外还可以加上第四个与旋律部分有关的层次。如肖邦《华丽圆舞曲》中的一个片段：
在此，高声部的持续A音应当用全臂触键弹，低音用臂落触键弹，而流动的旋律和伴奏和弦则用手力触键弹。
这种四个层次组成的整体，在各类旋律及和声的组合中都回存在。以舒曼的《浪漫曲》为例，此处旋律的二重奏是由双手的拇指用全臂触键奏出的。
左右两手的伴奏音型通过指力或手力触键，可以得到柔和的音色。而李斯特的《爱之梦》之三。其中四个声部的层次分明。演奏时必须将四种触键全用上：主旋律用全臂触键；低音的对位旋律用臂落触键；高音和弦用手力触键；分解和弦用指力触键。
（2）：音乐中的脉动
A：节拍
音乐生命力首先在于不断重复的脉动，又叫节拍。音乐的性格也是由演奏者所体现的音乐脉动的重音、规整性和速度决定。节拍的组合形式最小单位是小节。其基本结构不外乎双拍子或三拍子。
应当严格地区分以小节线划分的小节单位和真正的乐句小节单位。前者的长度就是两条小节线之间的距离；后者的长度则是有规律地从某一点起到下一小节中相应的那一点为止。以肖邦的《前奏曲》为例：这里每一个乐句小节在脉动的强度上都显然含有一"起"一"伏"，因此节拍进行的顺序是：弱强弱、强弱强，等等。
B：重音
重音一般分为两大类：
a：力度型或强力型重音
演奏者只需要在所强调的那个音上弹得比后面的音重一些即可，这类重音总用来表现生机勃勃的音乐形象。如肖邦的《军队波罗乃兹》就要求在每一小节的第一拍上加一个强有力的力度型重音。
b：延音型或时间型重音
演奏时可通过延长时值来突出某个音。凡是感情细腻的`乐曲用此种重音。
(3)乐句及其组合：
通常，一个乐句小节只包含一种音型。而当这一音型与下一小节的音型相接时，成为一完整的动机。以肖邦的《前奏曲》为例，两种音型组成一个两小节的动机：
在一首比较复杂的乐曲中，作曲家通常通过扩展乐句或缩减乐句的手法来打破绝对均衡的乐句所造成的单调。以舒柏特的《奏鸣曲》第二乐章开始处为例：
这两个乐句都是不规则的乐句。因为每个乐句只有三小节半之长，而不是通常的四小节。但是第一乐句省略的仅仅是三个不重要的引子音，而第二乐句却在音乐进行中过早地删去了一拍半。
（4） 不规则的重音
使演奏富于变化的一个重要的手段是运用一个特殊重音来与小节中的规则重音相冲突。以莫什科夫斯基的《玛祖卡》为例第一拍用延音重音，构成全曲的基本节奏。而在第三拍上则加上一个力度重音以形成强烈的对比。
A：不规则的节奏
假定规则的节奏是指强拍的时值与弱拍的时值同样长或更长些，那么显然较长的音出现在弱拍位置上，这种规律就被打破了。以沙尔温卡的波兰舞曲为例：
为了更加恰当地表现舞曲的特点，在前两节中这个反常规的重音出现在第二拍上，在后两小节中出现在第三拍上。
在节奏强烈的音乐中，这类长音通常需要用尖锐的重音奏出，而在抒情的音乐中，应微妙细致地处理，因为延音重音本身的时值就可以产生重音的效果。如舒柏特的《即兴曲》第一拍的小节重音就比第二拍上较长的音显得格外重要。
B：切分音
长音如紧接在小节音后面出现，可对这个重音起反射或加强的效果。如舒柏特的《主题与变奏》
在节奏规整的乐段中，切分是打破音乐单调性的一个好方法。如舒曼的《奇想》
音乐感的培养
每个人的先天素质的确有很大差异，但是通过后天的意识的培养，勤学苦练，就会做到有音乐感的演奏。
（1）创造一个音乐的环境：学钢琴首先要有一个音乐的环境。必须多听，多感受，潜移默化地接受了音乐的熏陶；逐步对音乐语言、形象、气氛、音色等，有了感性的认识。
（2）注重教材的熟悉和模仿：初学者还应着重对自己所学教材的熟悉和模仿。学生通过熟悉、模仿，逐步到有自己的独立音乐见解。
提高钢琴演奏的表现力
在各门艺术中，没有什么比音乐更能直接打动人的内在情感。在人类生活中，也没有什么比音乐更能生动地表达人的心声。从某种意义上来说，我们演奏一首钢琴曲，不单单只为表现出音符来，更重要的是把这首乐曲演奏得有血有肉、有内容有意境，让人们听了能受到感动和振憾，产生一种共鸣。
